唱歌技巧告诉你唱歌到底用不用嗓子唱,唱歌如何保护嗓子技巧

唱歌技巧，告诉你唱歌到底用不用嗓子？

我们经常能看到许多学生在最基本的声乐问题上迷失方向，有些教师甚至会用错误的理论指导学生，致使大量学生对于声乐的概念含糊不清，造成恶性循环。

声乐艺术由于具有“看不见摸不着”的特点，对于初学者而言的确很容易被教授者讲得“云山雾罩”，有的讲授者还会上升到哲学与心理学的高度，导致很多学习者会在声乐书籍中寻求答案，却不知声乐艺术需要靠大量的艺术实践和在舞台上摸爬滚打来总结，单凭一些书籍中照本宣科的声乐理论是达不到真实的声乐艺术的演唱高度的。其实，大家还在争论的一些声乐问题在主流歌剧舞台上早已盖棺定论。笔者希望用最简单、通俗甚至有些“业余”的语言和大家试着一起讨论看起来似乎无比复杂的专业歌唱。

唱歌到底用不用嗓子？

这个问题时至今日仍然在困扰着众多的学习者。很多人认为歌唱时嗓子必须放松，绝对不可以用力，否则嗓子就会疲劳。所有坚持上述观点的歌唱者演唱时几乎无一例外地出现气息不足，撒气漏风，音量微弱，歌唱持久性差的问题。更有些歌唱者唱歌的音量还不及说话的音量。这就是认定“用嗓就一定会费嗓”这一观点的必然结果。

唱歌到底用不用嗓子？用嗓就一定会费嗓吗？

答案是：唱歌必须用嗓子。用嗓子歌唱有可能会费嗓子也有可能不费（这取决于你是否正确用嗓）。但不用嗓子唱一定会费嗓。

所谓不用嗓简单上讲就是唱歌时喉部不用力。我们都知道喉部有最重要的歌唱器官——“声带”，在歌唱时如果喉部放松，声带不拉紧，是无法发出好的声音的。声带就相当于提琴的琴弦，如果琴弦是松弛的，再好的乐手也无法奏出动听的音色。

很多声乐学习者片面追求嗓子放松，却不知道这种放松是以牺牲漂亮的声音为代价的。声带都松弛掉了，你们拿什么来歌唱呢？这就像专业的长跑运动员是在训练如何科学奔跑，而不是追求有朝一日跑步可以不用自己的双脚。研究如何不用嗓子唱歌的人多多少少有一点让我联想到那些想追求长生不老药的人。

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因此，声乐训练的真实目的是为了找到“用嗓子却不累嗓子”的科学发声方法。当然，歌唱艺术发展到今天也还是无法做到嗓音在歌唱时绝对地“零消耗”，再著名的声乐大师也无法在演唱时做到嗓音绝对不疲劳。我们只能追求在积极的歌唱状态下用科学的发声方法把嗓音的消耗降到最低。

唱歌到底该如何使用喉头

喉头是非常重要的歌唱器官，说它重要，是因为它的活动能够直接影响声带的使用。我们都知道拉紧的声带在气流通过时产生震动而发声，而声带无法自己拉紧，拉紧的行为是喉部肌肉作用的结果。因此，喉头是稳定歌唱的“基石”。喉头力量过小会使声音产生诸如“撒气漏风”、“小抖”等问题。当然，喉部力量过大也不行，会导致声音沉重，但通过笔者观察，喉部力量过小的演唱者大大超过喉部力量过大者，换句话说就是出现喉头问题的演唱者大部分都是不太敢使用喉头的。这几乎完全是源于“用嗓子就会累嗓子”的错误理论导致的。

那么喉头该如何安放？正确的喉头位置近似于张大嘴深吸气时的喉头位置。对于初学者来说几乎是“能够放到多低就放多低”，也就是说尽量向下放。因为初学时期喉头位置普遍偏高（近似于说话时的高喉头位置），有可能你已经做到了极限而实际上离较低的喉位还有不小的距离。但切记歌唱时只能允许喉头用力，而喉头左右两侧肌肉和脖子不可僵硬，否则即便降了喉头声音也是错误的（可以采用旋转头部的歌唱方法检验，如果声音无影响证明没有压喉）。

喉头是一个相对比较难控制的歌唱器官，演唱时稍有风吹草动甚至由于音高升高产生的心理变化都会影响它的稳定而导致喉头产生生理保护性的上提。因此，在演唱时喉头需要人为地、不断地向下放，不断对抗上提的力量才能保证演唱者始终处于较低喉位的正确歌唱。

在每演唱一个乐句的时候我们会有两次下降喉头的机会：第一次是在吸气时，这时下降喉头是比较容易的，（但很多歌唱者不太重视吸气，容易浪费这次机会),第二次是用向下叹气的方式演唱第一个音符的时候也可以做到下降喉头。演唱时如果能做到一个乐句使用这两次降低喉头的方式，运用到整首歌曲中就是几十次甚至上百次的降低喉头，喉头位置就会比较理想。

要说明的是喉头位置也不是一成不变的，要根据实际演唱需要：演唱音高越高，喉头位置相对越低，而且对于中国特有的民族唱法来讲，民族唱法演唱同样的音高时喉头位置要相对于美声唱法稍高一些的。这些都需要演唱者自己慢慢体会。

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​不要过度追求“带有胸声的高音C”

每一位男高音都渴望拥有漂亮的“高音C”，业界公认的高音C之王帕瓦罗蒂正是由于完美的歌唱技术特别是可以演唱“带有胸声的高音C”而著称。因此，追求“带有胸声的高音C”慢慢也成了不少国内男高音学生的目标。从演唱效果来看，胸声丰富的高音C由于真声成分比重较多确实给人以结实有力、辉煌而充满着金属光泽之感，这也是美声唱法区别原生态等歌唱方法演唱高音C的显著的不同之一。但如果在实际练习中过度追求高音C的“胸声”往往适得其反。

在世界声乐史上，能够唱出完美的带有胸声高音C的男高音不止帕瓦罗蒂一人。在此之前的男高音歌唱大师如马里奥·德尔·莫纳柯、弗兰科·科莱里等人演唱此音甚至比其更加“力拔山兮气盖世”，而这种辉煌刺激，极富感染力的演唱效果也很自然地成为后来者模仿学习的范本。从嗓音类型出发，这些声乐大师的嗓音大多属于戏剧男高音范畴。我们还熟知的意大利美声唱法的杰出代表如贝尼亚米诺·吉里、尼古拉·盖达同样具有炉火纯青的高音C的演唱技巧，但从听觉直观感受来讲，他们在演唱高音C时的胸声成分及辉煌程度远不及科莱里等人。他们的嗓音类型基本属于抒情男高音范畴。

上述歌唱大师们自身的演唱方式或许略有不同，但殊途同归，都是继承了意大利美声唱法的精髓，堪称声乐史上的“教科书”般的人物。但演唱高音C的胸声成分从听觉上却大相径庭。

我们从这里大致可以得出一个结论：男高音在宏观大致相同的歌唱方法下，高音C的胸声成分多少基本取决于演唱者自身先天的嗓音条件。

因此，如果自身是偏戏剧性的男高音嗓音条件，在演唱方法科学的前提下，高音C的胸声成分自然不会少，似乎也很难变少，因为那是自然条件使然，自身并无演唱负担。但要特别小心的是，如果自身是偏抒情男高音的嗓音条件，过度追求高音C的胸声后果只会损害自己的嗓音。

我们应当看到，由于地域、人种等原因，国内抒情男高音比例远多于戏剧男高音，而胸声成分过多导致的真声过多恰恰是造成抒情男高音们演唱高音C吃力的一块最大的“绊脚石”。因此，从自身嗓音条件出发，不盲目模仿、不过分膜拜“带有胸声的高音C”，是通往解决高音C之路的重中之重。

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唱歌应该用喉咙还是嗓子来唱？

唱歌既不用喉咙也非嗓子，最重要的是利用腹部的气息。
第一个要注意的是如何使声音更饱满.宏亮
无法打开声音的原因有两个:1..没有充分利用共鸣器官
2..气息不稳
(方法):
一. 技巧
1.体会胸腔共鸣:微微张开嘴巴.,放松喉头,闭合声门(声带),象金鱼吐泡泡一样轻轻地发声..或低低的哼唱,,体会胸腔的震动.
2.降低喉头的位置:(同上);喉部放松.
3.打牙关:所谓打牙关,就是打开上下大牙齿(槽牙).给口腔共鸣留出空间,用手去摸摸耳根前大牙的位置,看看是否打开了.然后发出一些元音,如"a".感觉感觉自己声音的变化.
4.提颧肌;微笑着说话.,嘴角微微向上翘,同时感觉鼻翼张开了,试试看,声音是不是更清亮了.
5.挺软腭;打一个哈欠,顺便长啸一声.
注意:在大声说话时,注意保持以上几种状态就会改善自己的声音.切记,一定要"放松自己",不要矫枉过正,更不要只去注意发音的形式,而忘了说话内容.
二..气息问题
发音*震动,震动*气息,要使声音洪亮,中气十足,就要有饱满的气息.呼吸要深入.持久,要随时保持一定的呼吸压力.平时可以多做些深吸缓呼的练习.最好在练习说话的时候先站起来,容易找到呼吸状态,要坐的话,也要坐直,上身微微前倾.
运用气息的时候,千万不要"泄气",要在上述的呼吸压力中缓缓的释放,并且要善于运用,嘴唇把气拢住.这样来保持胸腹和嘴唇的压力平衡.
三..声线问题
我们的发音,有一个不容易察觉的线路,比如打呼哨,声音很响亮,道理就在于气息畅通,声音集中,通行无阻.说话也是这样,要尽量让自己的气息贯通,让气音尽量沿着口腔内部的中纵线穿透而出. 这样才能使声音集中而响亮.
下面我们说下唱歌的基本方法
一:姿势
1.身体要直 2.重心要稳 3.上胸要开 4.双肩要松 5.面部自然 6.精神振奋
二:呼吸...(呼吸方法有多种...我们应曲风而异)
1.锁骨呼吸法 2.胸式呼吸法 3.腹式呼吸法 4.胸腹式联合呼吸法
(一般我国的美声唱法多才用与第4种:胸腹失联合呼吸法....通俗就较为随意点了)
练习呼吸的方法:
(一)可分无声呼吸练习:1.快吸快呼 2.快吸慢呼 3.慢吸慢呼
(二)发声呼吸练习..顿音.连音或连顿结合的练习
再说下唱歌时应该如何起音;
第一,要防止用过多和过猛的气息去冲击声带.
第二.要防止声带过于松垮,不积极*拢闭合去挡气
第三,要防止起音时喉头挤,卡,压,使喉头失去弹性.
起音时,一定要做到发生自然,气息柔和,打开喉咙,稳定喉头,声音流动,并将打哈欠,放下喉头,空气通过声门而吹的三个动作,在同一时间完成.同时还要掌握好气息,声带.共鸣的协调配合速度.
闭合哼鸣的练习方法:
1.正确站立的歌唱姿势和积极兴奋的歌唱状态
2.用口鼻垂直吸气,鼻孔兴奋张开.哼唱时,要有流鼻涕的感觉,要均匀.柔和地从鼻腔向外叹气,一定要有叹气感.通畅感.横膈膜有各显的支持点.
3.哼唱时,嘴似闭非闭,上下齿不要咬死,舌头平放,舌头舔在下牙床上,喉头下沉轻轻提气.
4.哼唱时,声音是从上口盖以上发出的,眉心和鼻深处有轻微的振动感,而且每个音都是从同一位置上哼出来的.
最后我们说下通俗唱法:
通俗唱法又为流行唱法,比较强调歌唱者本人的自然噪音,并不特别讲究声音的共鸣和音量,但强调情绪的渲染,非常重视歌曲感情的表达.
演唱上要求吐字清晰,音调流畅,表情真挚.,有时如口语说白似地低吟浅唱.有时又强劲有力地高声喊唱.带有极调的倾诉性和宣泄性,具有浓厚的个性色彩和表现风格的能力:同时也很注意歌唱的自然化和生活化.使用话筒演唱也是通俗唱法的特点之一,很讲究使用话筒的技巧,充分发挥电声扩大音量和美化声音的作用..以减轻演唱的负担.在唱法上也有结合民族唱法和美声唱法的,前者如日本的浪曲新唱,.后者如法国小曲中的美声派.
通俗唱法在表演形式上灵活自由,有较多的形体动作(甚至配上半舞),充分发挥演唱者的特长.在服饰上,往往标新立异,鲜艳夺目,在伴奏上大量使用电声乐器,并配以多变的灯光效果,造成听觉,视觉上统一的强烈刺激的演唱效果.
补充下演唱的整体布局:
歌唱的艺术是歌唱者把自己对歌词和音乐的理解,用优美的歌声传达出来.要准确深刻地表现好歌曲的内涵,首先必须认真研究歌曲的音乐和歌词,认真分析研究乐谱,歌词和表情记号所要表达的感情内容,是歌唱者进行再创造的首要任务..只有讲歌曲读熟,背熟,弄清歌词的内容和音乐中各种表情记号的意义和内涵,分析理解歌曲的基本风格情调以及作者的创作意图之后,才可能在此基础上对作品做进一步的艺术处理.
在精确,熟练地学会歌曲乐谱的同时,应讲歌词多朗读几遍,歌词的文学语言形象也是歌唱艺术创造音乐形象的基础.
音乐是歌曲的灵魂,在熟读乐谱的过程中,要反复体悟音乐的感情特征,领略歌曲音乐的旋律美,理解歌曲音乐的意境.
当我们讲一首歌曲已经唱得很准确,熟练,而且对歌曲的思想内容与感情形象有了较深入的分析和理解后,就可进入更为深入的演唱的整体布局阶段.
写文章讲究结构,作画讲究构图,演唱艺术表现也同于此理,演唱者在深入细致地分析了作曲家的创作意图,作品的时代背景,歌词的语言规律,音乐的风格特点以及结构形式之后,就要讲个人对作品的感情体验溶金其内,运用自己的音乐思维展开内心的音乐想象,在头脑中逐渐形成一个较完整的声音形象..根据作品内容的需要,对演唱的声音特质,色彩变化,音乐的连接方式,旋律的起承转合,高潮,收尾以及感情发展的层次变化等等进行整体的设计构思.选择最佳的演唱手段加以表现.例如如何用速度的快慢疾徐,音量的大小收放,力度的轻重强弱,节奏的抑扬顿挫,音色的浓淡明暗,声音线条的连断圆润,语气及语调的变化等等声乐表现手段来体现。同时对歌曲旋律的分句,吐字行腔,气口安排,声音的运用等方法作出统一的布局安排.调动一切的声乐技术手段为塑造完整动人的声乐艺术形象服务.需要注意的是,声乐技巧的使用也必须得当.有如作画,什么地方需要浓墨重彩的涂抹,什么地方需要轻描淡写的勾勒,都必须服从歌曲内容和整体布局的安排,切忌脱离歌曲内容无目的地炫耀卖弄声音技巧..
另外应当注意掌握歌曲不同的风格..任何国家,.任何民族,.任何地区的音乐都有自己的风格特点.,应有意识地去熟悉各种风格的歌曲.........
我本身以前是美声专业的,所以说的可能太专业了点。...不过应该很容易懂的......慢慢体会吧....不要枉费了我打这么多苦心吖....还有什么不明白的再问我吧.....:)..加油哦...
补充下关于颤音的问题：
颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全*气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。
没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。

怎样做到不用嗓子唱歌

　　怎样做到不用嗓子唱歌
　　“不要用嗓子唱歌”大概是想强调气息的重要性，但是说到底，发声这个动作，声带的重要性不言而喻。要记住，发声是建立在声带的积极工作基础上的!所以不仅要靠嗓子唱歌，还要科学用嗓，让声带科学工作才能保护声带!

　　声带如何积极工作?请大家牢记十个字，发声不受力，受力不发声。声带积极工作，但是积极不意味着要主动发力，为什么说气息“推动”声带发声呢，就是因为声带在这个过程中是被动的，打个比方，大多数代步车都是前轮驱动的，前轮+发动机是车子前行的动力，但是后轮也很“积极”地跟着车子滚动，后轮的“积极”并不一定意味着它要参与车子的驱动。因此，在学习初期一定要尽量避免主动改变声带形态的动作，尽量保证喉部的放松，这样，才能成为一个合格的麦霸老司机。

　　下面再给大家介绍一下声带的工作状态吧。总的来说声带在唱歌的时候可以分为两部分：发声的部分和不发声的部分。物理常识告诉我们，振动面积越小，声音越高越通透，因此我们要去控制发声部分的面积，尽量保持发声点足够小。在初级阶段，唱小声一些，轻一些，就可以让发声点小一些。光良就是属于这种情况的歌手，发声点很小，其他技术特点不是很明显。

　　在初级阶段养成良好的习惯以后我们就该朝更高的方向迈进了，这时候应该开始考虑去控制声带不发声的面积，让不发声的面积增大，并且要注意这部分对于气息的阻挡作用，如果漏气，消耗很大，声音也会无力。声带对于气息的阻力可以构成一种对抗，气息+发声的稳定性其实就来源于这种对抗。这个技术用得好的歌手，林志炫是很典型的一位。

　　最后谈谈高阶技术，高阶技术一般被称作“关闭”。初阶技术讲究减小发声面积，中阶技术讲究增加气息阻力，高阶技术是在这两个基础上人为地去控制压缩声带的发声部分，从而让声音更有力量。林志炫由于是中阶技术比较好，所以声音也偏圆润，而高阶技术的声音则讲究爆发，例如动力火车就是高阶技术的典型代表。
　　唱歌时怎样做到打开喉咙
　　1、 身体整体放松，微笑。越是唱不好时，人越容易因为用力而致使肌肉紧张僵硬，这时反而无法打开器官，也无法使气息通畅。歌唱时，嘴角上提，露出牙齿，传达给人的是笑意。因为人微笑时面部器官最为松弛，发出的声音状态最佳，最悦耳，听起来也就是一种享受。

　　2、 嘴巴张开。唱歌时，嘴巴张开要比平时说话的状态稍微“过”一些，张开之后，要保持住，嘴巴里的感觉像是含着鸡蛋一样。张嘴的动作，不是下巴往下掉，上嘴唇不动，这样是错误的。正确的方法是，上半部分嚼牙的位置往上抬，积极主动地去咬每一个字。舌头一般要放松地躺在嘴巴里面，舌尖轻轻的触碰到下牙根就可以，不要用力。

　　3、 发“呜”(元音U)音，在发这个音时，体会喉咙和腔体外扩打开的感觉。这时喉咙的位置低，而不是提着嗓子唱歌。在唱歌时，保持这样的打开状态，喉器稳定而不是上提，可以解决声音“挤、卡、尖”等毛病。

　　4、 假想“支点”。假想声带长在心口的地方，这是唱歌发声的“支点”，唱的时候不要往上边唱，而是把声音吸到心口处唱。实际上，这里没有声带，声带还在上边，但是这样的方法可以让喉头自然放松、下降，达到稳定，喉咙也就随之打开了，相对而言，唱得就能轻松，没那么累。
　　唱歌如何做到嗓子不累
　　首先，从无声练习开始。

　　我们要学会如何用气，因为唱歌是靠腹部的气息推动声带的振动来发声的，而不是单纯的摩擦声带发声，这样不仅是错误的，而且还会伤害我们的嗓子。

　　如何正确的用气呢?我们可以双手叉腰，用鼻子将气吸到丹田——大约在肚脐眼下方2CM的位置，然后你就会发现腹部一圈都会被气充满，而向外鼓出。然后我们就开始学吐气，注意横膈膜要一直不能松懈。

　　如何练气息的长呢?同样的方式吸气，我们学蛇的声音，发出“咝……”的声音，让气息从上下牙之间均匀的吐出。

　　其次，就是发声了，这也是我第一学习如何用气泡音转发声。唱歌是一种介于有氧和无氧之间的运动，吸进去的气不要一下子就吐出来，而是要有一种“憋”的感觉。通过多次练习，大家都可以掌握如何用气泡音转发声，此间可能会出现漏气、音不准等问题，所以我们需要每天都坚持练习，唱音阶，这样才会有所进步。

　　最后，唱歌不仅要掌握基本功，扎实的技巧，还要注意分析歌曲的情感，用自己的理解唱出不同于别人的味道。

看了怎样做到不用嗓子唱歌的人还看：

1. 怎样做到不用嗓子唱歌

2. 唱歌不用声带怎么发声

3. 改变你嗓音的唱歌技巧

4. 唱歌训练时怎么解决喉咙用力的情况

5. 唱歌不是用喉咙发声的吗